Rozhovor: Uji 'Hahan' Handoko

Uji ah Hahan ´ Handoko se narodil v roce 1983 v Kebumenu. Začal na Fakultě výtvarných umění v Indonéském institutu umění v Yogyakartě. V rušném roce 2008 byl ve třicátých letech jmenován finalistou Ceny Sovereign Art Prize a v rezidenčním programu v korejském Soulu převzal umělce Národního uměleckého studia. Mezi jeho plodnější představení patří ArtJog14, Jogjakarta (2014); 7. současný umění Asie a Tichomoří (2012); Indonéská národní galerie, Jakarta (2011); Galerie Primo Marella, Milán (2011); Korea International Art Fair, Soul (2010); Fórum Kedai Kebun, Yogyakarta (2010); Biennale Jogja X, Yogyakarta (2009) a Havana Biennale, Kuba (2009).

Vždy popsán v bezdechém proudu přívlastků: odvážný, drzý, nekonvenční, vzpurný, punk… Multidisciplinární umělec je charakterizován šumivou zvídavou energií - vždy se ptá, vždy posouvá hranice toho, co je možné. Jeden z hlavních aspektů jeho práce je charakterizován dualitami mezi vnímáním „vysokého umění“ a „nízkého umění“. Jeho dílo, které pohřbí realismus vrstvami na vrstvách dramatické zdobení, představuje roztržku mezi urbanizací a agrarismem, východem a západem, místním a globálním. Hahan nasazuje svůj film, hudební pouliční vlivy do idiosynkratického vizuálního jazyka, který se na plátně setkává jako nepokoje riottous - odvážné barvy, které má známým talentem pro rozlití přes jeho obrysy. „Zbarvení mimo řádky“ přispívá k pohybu a spontánnosti, která je charakteristická pro jeho výstup.

Trinity Series, 2015

Pravý popový umělec neustále usiluje o objevování způsobů, jak své myšlenky zrealizovat - od toho, aby se stal zpěvákem v avantgardní umělecké punkové umělecké skupině Punkasila; jeho odmítnutí plátna, experimentování v nekonvenčních médiích a substrátech; tkaní složitých sebereflektivních meta sociopolitických otázek do „obočí“, přesto složitých kompozitů; spolupráce na řadě oděvů s australským surfařským turfem Hurley International, k jeho odhodlání zpřístupnit své umění co nejvíce jeho komunitě - zdá se, že Hahan je sám o sobě vedoucím otřesem. Art Republik dohání se s rebelem umělce, aby zjistil, co se děje.

Vaše práce spojuje různé vlivy - film, hudbu a pouliční kulturu do odlišného vizuálního jazyka. Jsou příběhy a příběhy něco, o čem ve své praxi přemýšlíte?

Každý z vlivů, které jste zmínil, má jiný jazyk, jak vyprávět nápad. Pokud kombinuji pouze vizuální formu a způsob, jakým se používá, nemusí se od sebe lišit. Více než to, chci kopat pod povrch, včetně jeho kulturního a sociálního zázemí, pak ho zkombinovat s mým vlastním pohledem, aby se z něj stal můj vlastní vizuální jazyk.

Lidé charakterizovali vaši práci jako neustálý rozpor mezi „vysokým“ a „nízkým“ uměním, problémy polarit mezi Východem a Západem, místní a globální - co vás zajímá o dualitách?

Jsem součástí generace, která měla zpočátku velmi omezené zdroje informací, ale nyní s internetem a globalizací máme větší přístup k informacím od západu na východ - hranice mezi „vysokým“ a „nízkým“ uměním se stala rozmazané a hybridní. Momentálně jsem v této pozici a snažím se reflektovat to, co se dnes děje prostřednictvím mých děl. 

One for All, All for One… .Prodáno (detailní pohled), 2014.

Kolik vyrostlo v Indonésii na způsob, jakým přistupujete k vašim perspektivám a umění obecně?

Věřím, že každé místo nebo země má své vlastní charakteristiky, které vědomě či nikoli, budou formovat něčí uměleckou charakteristiku. Mnoho faktorů v Indonésii, například nevyrovnatelný fyzický vývoj a rozdělení příjmů, tření místní tradice a globální kultury v éře odhalení, a zejména rozvoj umělecké infrastruktury, mají velký vliv na utváření mého pohledu a mého obecného myšlení. . Zejména ve vztahu k infrastruktuře vizuálního umění, ačkoli neexistují fáze nebo úrovně uměleckého zřízení a také nedostatečná vládní podpora, jsou indonéští umělci motivováni k tomu, aby vymýšleli a experimentovali více. 

Už jste se zmínili o tom, že vaše umělecká rezidence v Soulu je stěžejním bodem ve vašem životě, který vám dal přesvědčení, že jste současným umělcem. Jaké to bylo za vaší doby, jak vás město ovlivnilo a jak se liší od Indonésie?

V té době byla Indonésie, zejména Jogja… příležitost jako umělce pro umělecké rezidence v zámoří byla velká a luxusní dohoda. Je to proto, že doporučení a odkaz byly tak vzácné, že je bylo těžké získat a je těžké je konkurovat, dokonce i proti velmi zavedeným umělcům. Pro mě se to stalo mým výchozím bodem, který mě přesvědčil a motivoval k výkonu kariéry umělce.

Soul kromě umělců a jejich děl na mě také zapůsobil vytvořením infrastruktury vizuálního umění, která aktivně podporovala jejich vládní a soukromý sektor. Jako umělec mi to opravdu otevřelo oči. Moje práce a umělecké praktiky byly v té době daleko za tím, co jsem tam zažil a viděl, a ještě více jsem se cítil po setkání s ředitelem Leeum, Samsung Art of Art.

Potkal jsem ho s vrstevníkem, který byl u mě v rezidenci. Nejprve se zeptal mého přítele, který pocházel z Indie, odkud pocházel, a okamžitě zmínil „Anish Kapoor“ jako známé jméno. Pak se ke mně obrátil a položil stejnou otázku, ale rychle se omluvil, že neznal žádného indonéského umělce. To se na mě nalepilo a je to velká část toho, proč se snažím experimentovat a vyniknout. 

Krajina univerzálních problémů, 2016

Řekněte nám více o své práci v indonéském uměleckém kolektivním punkovém rockovém oblečení Punkasila. Není to jediná kapela, ve které jste, že?

Punkasila inicioval Danius Kesminas (umělec se sídlem v Melbourne) ve svém rezidenčním programu s Asia Link prostřednictvím Cemeti Art Foundation v roce 2005. V té době jsem si myslel, že to byl jen dočasný projekt, protože nejprve bylo cílem pouze pozvat a spolupracovat s několika vizuálními umělci (včetně mě) jako součást rockové kapely, která vyústila v naše album „Acronym Wars“. Ale pak to pokračovalo v umělecký kolektiv, který začal zvát zvenku z oblasti výtvarného umění. Teď to běží už 10 let.

Moje další hudební projekty, které byly vytvořeny společně s různými přáteli, jsou „Black Ribbon“ vytvořené v roce 2004 zkoumáním šumu pomocí analogového magnetofonu a DIY synth; Hengky Strawberry vytvořená v roce 2007 zachycující další vlnu elektronické hudby a indonéské rave kultury; „The Spectakuler“ vznikl v roce 2010, což byla spolupráce „Black Ribbon“ a „Demi Tuhan“ s Woto „Wok“ Wibowo; „Anusapatis“ vznikl v roce 2011 spojením elektronické hudby a rychlého grindcore stylu; a „N.E.W.S“ vytvořené v roce 2013, což je vokální skupina, která reagovala na kurátorský text nebo na jakýkoli text šířený na umělecké scéně. 

Sober Generation, 2013

Jaký je pracovní režim pro tebe? Je to vždy jiné, záleží na povaze média a na jeho charakteru?

Vlastně moje pracovní metoda je vždy stejná. Mezi médii nejsou žádné rozdíly. Obvykle to začíná myšlenkou nebo představou, pak pojmem, a v konečné fázi výběrem média. Každý druh média má svou vlastní politickou hodnotu a myslím si, že správná volba média nejlépe zlepší koncepty a myšlenky. Rozdíly v pracovní metodě se mohou objevit, ale nikoli kvůli odlišnému médiu, místo toho kvůli různým zapojením ostatních, pracovat jako individuální umělec nebo kolektiv. A když pracuji jako součást kolektivu, existují další kroky, jako je skupinová diskuse a sdílený rozhodovací proces. 

Je humor důležitou součástí vaší práce?

Žijeme v Indonésii pod vládou, která neovládá s reciprocitou a řídí nestabilní sociální systém, ale humor se samozřejmě stává důležitým, zejména pro mě, abych si mohl prohlédnout problémy ve společnosti a sdělit své myšlenky s mým publikem. 

Je známo, že dáváte přednost práci ve veřejných prostorách a že vaše práce je přístupná každému. Je to pro vás důležité, umožňuje lidem pocit vzrušení, úcty a údivu nad uměním, bez zkušeností nebo informací, které jsou od nich vyžadovány?

Ve skutečnosti na tom nezáleží. Věřím, že kdokoli s jakýmkoli původem má vlastní způsob, jak si užít umělecké dílo, se zkušenostmi nebo požadovanými informacemi nebo bez nich. To je pro mě vzrušení z veřejných prostorů, kde se objeví bohaté a nepředvídatelné perspektivy. Pro mě je také důležité, aby umění vytvořilo nové vyjednávací prostory pro veřejnost. 

Lucky Country Series # 2, 2013

V současné době jste velvyslancem značky pro surfování a streetwear značky Hurley International. Je tato spolupráce s Hurleym něco, co jste vždy chtěli dělat?

Vlastně mám také vlastní oblečení a zboží, které jsem začal během druhého ročníku umělecké školy. Součástí mé strategie je snadnější zpřístupnění umění, aby bylo možné oslovit více lidí. Od té doby spolupracuji.

S Hurleym mají dobré zkušenosti s podporou scény vizuálního umění a na mém tvůrčím procesu není žádný zásah. Hurley víc než to, že moje umělecká díla nepoužívá jen na své výrobky, ale také podporují mé další umělecké snahy individuálně a kolektivně jako u Ace House.

Důležitou věcí v dnešním uměleckém světě, zejména v Indonésii, je prozkoumat nové možnosti mimo existující způsob vizuálního umění a najít nové způsoby, jak šířit vaše poselství. 

Co pro tebe znamená krása? Obvykle býváte „vybarvováni mimo řádky“, úmyslně se práce stává chaotickou nebo se jeví neúplná. Je chaos něco, co vás zaujme?

Vždy mě baví forma úmyslné chyby. Je to jako ukázat omezení nás jako lidských bytostí. Krása pro mě není o dokonalém výsledku, je to spíše o procesu dosažení této dokonalosti. 

Float of the line, 2016

Jaké jsou vaše názory na umělecké vyjádření, cenzuru a obecný stav politické korektnosti ve světě právě teď?

Cenzura by neměla ani existovat, navíc by měla pocházet od jiných lidí. Existuje pouze protihodnota, která pochází od nás, i když je ovlivněna jinou. Ale rozhodnutí je na nás, a to je umělecké vyjádření.

Tento příběh byl poprvé publikován v Art Republik.